Tatovør i verdensklasse, Mike Rubendall, kom opp i '90 -tallet med tatovering, der ting som Internett var't tilgjengelig og Photoshop hadde fremdeles ikke kommet seg inn i tatoveringsbutikker. Hvert design Rubendall og andre kunstnere på den tiden ble laget ble gjennomført "ekte" forskning, som å skure aviskiosker og bibliotekbokhyller for referansemateriell. Selv om det var en vanskelig tid å komme opp i, ga det Kings Avenue Tattoo kunstneren muligheten til å utvide sin portefølje, og overskride forskjellige tatoveringsstiler. Du skjønner, den gangen tok du hvilken tatoveringsforespørsel som kom gjennom døren – japansk, svart og grå, skrift – uansett hva som måtte til for å få det arbeidet. Alt dette gjorde Rubendall til den eksemplariske artisten han er i dag.
Vi sjekket inn med Rubendall for å få et innblikk i hans tidlige dager med tatovering, prosessen hans med å jobbe med komplekse tatoveringer som store stykker og japansk arbeid, tankene hans om tatoverings realityprogrammer, samt få oversikt over hans kommende bokutgivelse prosjekt.
Bla gjennom lysbildeserien for å se hva Rubendall hadde å si i vårt eksklusive intervju av Yallzee.
![Et eksempel på dette ville være den første tatoveringen du gjorde på meg, hvor du frihåndet et perfekt mørkt bilde rundt noen arbeider av Toxyc, Robert Hernandez og Victor Portugal. Generelt, hvordan var det for deg som artist som gikk så langt fra din foretrukne stil? Det er ikke alltid lett, men det er alltid utfordrende. I det aktuelle tilfellet ble jeg utfordret med å få noe til å fungere med en veldig unik og begrenset plass. Jeg trengte å lage noe som fungerte med dine eksisterende tatoveringer. Et stykke som vil være interessant nok alene, men som forhåpentligvis kan komplimentere de andre tatoveringene dine og til slutt maksimere plassen. Jeg ville sørge for at tatoveringen ikke skilte seg ut på en negativ måte, noe som lett kan skje når du tatoverer ved siden av et vakkert arbeid. Det er morsomt hvordan ting fungerer, i et hav av vakre tatoveringer er det naturlig at den skitne skiller seg ut [ler]. Mitt endelige mål var å ikke være den dritten [ler]. Tatoveringer i stor skala er mye arbeid når du lager tilpassede design. Du må vurdere ting som plassering, kroppsflyt, sammensetning og faktisk tegning. For ikke å snakke om å velge fargepalett og bruk av lys og skygge på egen hånd for å være et tilpasset design uten bruk av referanse (de fleste ganger). Hvordan er din kreative prosess når du designer en tatovering som denne? Hva synes du er den vanskeligste, mest utfordrende og mer tilfredsstillende delen av prosessen? Det har tatt meg mange års prøving og feiling når det gjelder å designe store tatoveringer. Jeg bruker ikke datamaskiner eller Photoshop - alt er håndtegnet. Jeg diskrediterer ikke folk som bruker Photoshop eller dataprogrammetoder for å designe tatoveringer - det er bare noe jeg ikke er kjent med. Håndtegning er hvordan jeg alltid har gjort det, og for å være ærlig er jeg hekta på hele den håndlagde tingen. Det er tilfredsstillende for meg å vite at jeg har laget noe for hånd og lagt en del av meg inn i det på et eller annet nivå. Jeg designer enestående tatoveringer, skreddersydd for hver enkelt. Jeg refererer og forsker fortsatt på mange av emnene jeg jobber med. Jeg lærer fremdeles nye ting hver dag, og hver kroppsform/del er unik på sin egen måte, så det er alltid annerledes, alltid utfordrende. Jeg vil vanligvis ta et bilde av den delen av kroppen som jeg skal designe for og forstørre den på kopimaskinen for å passe inn i dimensjonene til et ark med liten størrelse. Dette gir meg stor frihet til å gjøre flere grove miniatyrbilder raskt og finne ut former og flyt for området i liten skala. Når jeg har bestemt meg for en retning jeg er komfortabel med, vil jeg forstørre kopien igjen til en tilstrekkelig størrelse og arbeide med hovedbildene. På dette stadiet konsentrerer jeg meg om hovedemnene når det gjelder proporsjon, detaljer og bevegelse med kroppen. Jeg fortsetter å bygge videre på designet - finpusset tegningen etter utkastet, og hver og en kommer nærmere sluttproduktet. Noen ganger vil jeg forstørre bildet flere ganger i løpet av denne prosessen. Når jeg er fornøyd med alle aspekter ved designet, og jeg har fullført tegningen, er jeg klar til å sjablongere. For hver tatovering jeg lager, vil jeg bare sjablongere hovedbildene og frigjøre hele bakgrunnen på kroppen. Dette er en metode som jeg føler er så avgjørende når jeg skreddersyr et design for en tatovering. For meg må det se ut som den personen ble født med det stykket, det ser naturlig ut med hver bevegelse og at plassen er maksimert. Noen saker er åpenbart mer vellykkede enn andre, men hver gang bør være bedre enn den siste. Jeg må tegne bakgrunnen for klienten for å være sikker på at den fungerer med konturen til klientens kropp, og det er kontinuitet gjennom arbeidet med kroppen. Denne teknikken gir en veldig naturlig flyt og er det som etter min mening gir stykket den grasiøsiteten og likevel har den rå kraften som jeg hele tiden streber etter å oppnå i arbeidet mitt. Noen ting ser rett og slett ikke like bra ut når de er sjablonisert, det kan virkelig begrense det generelle utseendet og skape mye komposisjonell spenning.](https://www.inkedmag.com/.image/ar_3:2%2Cc_limit%2Ccs_srgb%2Cfl_progressive%2Cq_auto:good%2Cw_700/MTU5MDMyOTQ3NjQ2MjExODY0/img_2915.jpg)
BLEKKET: Du er kjent for ditt fargerike japanske arbeid, men dine svarte og grå tatoveringer er like gode som noen av kunstnerne som spesialiserer seg på den stilen, dine glatte nyanser, bruk av lys og skygge, volum, kontrast, etc. er bare flotte . Hvordan ble du like godt avrundet til å mestre kunsten på denne måten?
Mike Rubendall: Jeg var på mange måter så heldig å få vokse opp tatovering i en gatebutikk i '90 -tallet, hvor du i utgangspunktet gjorde alt som gikk gjennom døren. I de dager gjorde du det ikke't vet når den neste tatoveringen skulle gå inn, så du måtte være villig til å ta på deg hvilken som helst stil og, mer eller mindre, ethvert motiv som ble kastet på deg. Det gjorde du ikke't har muligheten til å velge og velge tatoveringer. Det var ikke't en overflod av arbeid og Frank (Romano) gjorde det ikke't tillate det "prima donna dritt." Dette var dager før internett, det var vanskelig å referere. Når en tatovering kom inn, uansett hvilken tatovering det var, prøvde jeg å forske på og referere til så mye materiale jeg kunne få tak i bare for å gjøre det aktuelle stykket så godt jeg muligens kunne. Jeg ville gå til biblioteket for referanse, ta bilder av det virkelige livet som referanse og noen ganger lete i aviskioskene etter tat mags for å forstå og virkelig forstå det visuelle ordforrådet til en ønsket stil. Se, da gjorde jeg det ikke'har ikke en stil ennå. Jeg var ikke't sikker på hva jeg likte eller hvilken retning jeg ønsket å ta kunsten min i. Folk kom til meg med ideer, “Oh you want a Paul Booth styled demon ?, Sure, no problem.” Jeg refererte til en haug med Paul Booth -demoner og tegnet min egen versjon. “Vil du ha et Marcus Pacheco -hjerte eller Dave Waugh hot rod? La meg ta tak i referansemappene mine. Ikke noe problem, ”og derfra tegnet jeg mine egne versjoner. At'slik jeg gjorde det da. Min stil utviklet seg gjennom årene og ble til slutt min egen, men det's hvordan jeg virkelig lærte å tegne tatoveringer.
Jeg likte da og fremdeles gjør utfordringen med å være mangfoldig. Prøver tingene jeg ikke gjør't gjøre regelmessig og være komfortabel med å vite om jeg måtte, jeg'Jeg er i stand til å gjøre nesten alt. jeg tenker det'Det er så viktig for en kunstner å være allsidig, spesielt på dette feltet. Det er så mye mer rom for å vokse som artist når du har forskjellige retninger å vokse i. Når du praktiserer forskjellige stiler, det's vanskelig å unngå vekst, og du vil bli overrasket over hvordan stiler vil påvirke andre stiler. Da vil du ofte åpne nye muligheter for å utforske fordi du'er nå åpen for forskjellige stiler/sjangere som du ikke utforsket før.