Kunstelementer er kjernetrekkene i et kunstverk, visuelt påviselig og separat identifiserbar. Det er seks grunnleggende elementer i visuell kunst, som når de står ved siden av hverandre på en bestemt måte skaper et kunstverk. De er linje, form, farge, verdiform og tekstur.
Plass kan også legges til som et av de kunstneriske elementene. Nøkkelen til å forstå prinsippene for kunst og kunstanalyse er å lære om disse elementene. Ikke alle trenger å være en del av hvert maleri, noen ganger er bevisst fravær av noen av dem et utpreget kjennetegn ved en kunststil. Imidlertid gjelder en regel for dem alle – å lære å male er nødvendig, i tillegg til og til tross for naturtalent, er kunnskap den grunnleggende steppen for kunstnerisk prestasjon.
Linje
Line er det enkleste visuelle uttrykksfulle middelet. Den kobler en viss avstand mellom to punkter, og den kan være rett, svingete, kantet eller ledig. Bredde, retning og lengde på linjen definerer ofte slag for en individuell artist.
Det er det avgjørende elementet i design og den nødvendige bestanddelen av merker og tegn. Tykk eller tynn linje hjelper til med å danne form og form, lage en tegning, og derfor er den den mest grunnleggende komponenten i figurelle og mange abstrakte kunstneriske stiler. Noen teknikker, for eksempel trykk, er basert på linje, og noen av tegningstyper er definert av enkle linjer alene, for eksempel croquis.
Se den forenklede Jean Dubuffet-tegningen. Det minner om et barnestykke, raskt ferdig med bruk av rene linjer. Tegningen av en hund av David Hockney tilhører en annen stil, men den er rett og slett utført med linjen som det vesentlige bildelementet.
Form
Form refererer til området definert av kanter – linjer, som er todimensjonalt. Det er ofte relatert til enkle geometriske figurer som trekant, firkant, rektangel, sirkel eller forskjellige polygoner. Samtidig kan den etterligne noen av omrissene som finnes i naturen, og skildre silhuetter av forskjellige dyr, gjenstander, mennesker eller planter. Form kan ikke eksistere uten andre grunnelementer i kunsten. De har også ansvaret for å lage emnet, enten det er figurativ eller abstrakt kunst.
Se hvordan grunnleggende geometri brukes som sådan i De Stijl -malerier av Piet Mondrian. På den andre siden lener kubismen til Georges Braque seg på disse geometriske formene, men den bruker dem som grunnlag for å bygge gjenkjennelige objekter.
Farge
Uten farge ville det ikke vært noen kunst. Farge setter atmosfæren i et maleri, den beskriver følelser best, mens stiler som impresjonisme nesten utelukkende er basert på farge. Legg merke til de lyse nyansene i Monets verk og de livlige fargene i Van Goghs landskap.
Farge er den direkte konsekvensen av refleksjon av lys og et av de viktigste elementene i kunsten. Fargenyanser kommer i en skala, men det er tre grunnleggende farger – blå, rød og gul. Når de blandes, produserer disse tre fargene alle andre nyanser av spekteret. Den første karakteristikken for farge er derfor nyanse eller fargetone, som definerer fargen, i termer vi definerer som rød, grønn, gul, oransje og så videre. Intensitet er det neste trekket ved dette billedelementet, som beskriver klarheten i fargetonen, i området fra lys, dyp og levende til kjedelig eller pastell. Intensitet refererer ofte til metning eller renhet. Verdi er den tredje egenskapen til farge, som definerer dens letthet eller mørke. Hver nyanse kommer i en rekke nyanser, tonet med hvitt for å bli lysere eller skyggelagt med svart for å bli mørkere.
Verdi
Verdi er kunstelementet som er ansvarlig for det dramatiske og emosjonelle inntrykket av et kunstverk, rett ved siden av farge. Det refererer til letthet og mørke i et stykke, uansett fargetone. Noen ganger kalt “tone”, kan verdi oppnås ved å legge grått til basen – ren farge. Det er irreversibelt koblet til lys, akkurat som farge, men formålet er å skildre en illusjon av lys. Derfor må overflater i et maleri gjengis i forskjellige verdier, selv om motivet er av samme nyanse. Skygge og farging gir mulighet for ubegrensede overganger i overflategjengivelse, og når de utføres dyktig, fremkaller de tingens naturlige utseende. Hvis du ser på Vermeer’s mesterverk “Kvinne med balanse”, vil du se hvordan huden hennes og lukke ser lysere eller mørkere ut, avhengig av hvordan lysstrålen faller på dem. Corots landskap viser et grønt landskap, men ettersom lyset faller under forskjellige vinkler på skogen, ser gress og blader mørkere eller lysere ut.
Skjema
Form refererer til den tredimensjonale figuren som er avbildet i et maleri. Det er definert av illusjon av volum oppnådd ved bruk av skygger og perspektiv. Form som sådan forventes å ha bredde, høyde og dybde, og som i maleri er det bare en optisk illusjon, i skulptur er den den viktigste bestanddelen. Former, akkurat som former, stammer fra geometri og kan være kjegler, terninger, kuler og lignende, eller fra den naturlige verden. Organiske former definerer alle figurer som finnes i naturen, fra mennesker, dyr og planter, til andre uorganiske naturlige og uregelmessige objekter.
Se hvordan Caravaggio i sitt tidlige arbeid “Basket of Fruit” bruker noen av de grunnleggende elementene i kunsten for å skape en illusjon av tredimensjonal form. Art Deco var en moderne og dekorativ stil som i stor grad var basert på geometri, men fremstilling av form hadde en tydelig tredimensjonal karakteristikk, sett i arbeidet til Tamara de Lempicka.
Tekstur
Tekstur beskriver den taktile kvaliteten på det malte området, eller illusjonen av den kvaliteten. Derfor kan det være håndgripelig eller malt – simulert, etterligne hvordan en ekte tekstur av et stoff, stein, tre, hud kan se ut. I klassisk kunst ble simulert tekstur brukt til å skildre tekstiler, gjenstander og brunfarge i porselen, men etter hvert som moderniteten utviklet seg og nye teknikker dukket opp, ble ekte, taktil tekstur mer og mer vanlig. Tekstur gir rikdom, naturlig karakteristikk for kunstverket, og fraværet kan også være en bevisst uttalelse. Det oppnås ved å kombinere andre grunnelementer i kunsten.
Tekstur i verk av Van Gogh er like viktig som fargen. Tykk og tung impasto av Karel Appel understreker ekspressiviteten og følelsen til hans abstrakte malerier.
Rom
Plassen er området som omgir eller fyller kunstverket og det malte motivet. Klassisk kunst har lenge vært viet til å skape en illusjon av plass, mens moderne kunst har klart å negere den på mange måter. Modernitet ga ideen om et positivt og negativt rom. Positivt rom er plassen opptatt av motivet, mens det negative rommet omgir det.
I renessansen var perspektiv det viktigste verktøyet for å oppnå illusjonen av dyphet og plass. Legg merke til hvordan Raffaello bygger interiøret sitt med arkitektoniske planer sammen med det firkantede flisgulvet, etter de balanserte perspektivreglene. Manets mesterverk “A Bar at Folies-Bergere” er et tidlig moderne, impresjonistisk stykke, som skaper rom gjennom en speilrefleksjon, i sidestilte fly i stedet for i akademisk perspektiv.
