Stilleben er et av de mest utbredte, mest klassiske og mest kjente fagene innen kunst. Det er en sjanger som gjennomgikk en veldig lang formativ reise for å bli autonom og betraktet som lik historiske komposisjoner. Når vi ser stilleben helt fra begynnelsen av vestlig kunst til i dag, kan vi følge utviklingen av kultur, filosofi og menneskelig tankegang gjennom århundrer.
I antikken var stilleben vidt spredt blant det rikere lag av samfunnet som hadde råd til veggmalerier. Noen eksempler på emnet ble funnet i egyptiske graver, men vakrere eksempler kan sees i rester av den store romerske sivilisasjonen i Pompeii, Herculaneum eller Oplontis. Den berømte gamle greske fabelen om malerne Zeuxis og Parrhasius forteller om deres dyktighetskamp i å male et stilleben. Etter kristendommens fremvekst og Romerrikets fall på 400-tallet e.Kr. ble denne interessante sjangeren i stor grad glemt, for å dukke opp igjen i renessansekunstens begynnelse som bakgrunnsstøtte eller dekorasjon for den forseggjorte figurative, religiøse eller mytologiske scener.
Kunsthistorie markerer en av de første stilleben -komposisjonene som var “Hare” fra 1502 av Albrecht Durer, som var imponert over Italia, selv om han malte i nordlig stil. Et av de første maleriene som sto som eneste stilleben -komposisjoner, var definitivt “Fruit Basket” av Caravaggio, utført i 1599, på den tiden da sjangeren ble akseptert bredere. Likevel var det først på 1600 -tallet at stillebensfaget nådde sitt høydepunkt i de utførlige, filosofiske og mesterlige verkene av nederlandske og flamske mestere.
Stilleben -sjangeren begynte å blomstre i Nord -Europa som et direkte resultat av reformasjonen. Opprør mot Vatikanets politikk, religiøse malerier i Holland, Flandern og Tyskland begynte å synke, så et nytt rom ble opprettet for andre, ikke-figurale representasjonstyper. Selv om utsmykkede og overdådige ble avvist, ble oljemaling som en teknikk mye foretrukket i de nordlige landene. Den politiske og religiøse situasjonen tillot stilleben å utvikle seg videre, og ble en av de dypeste symbolske typene barokke emner, fylt med referanser til kristendom, dyder og riktig liv..
Midt på 1500 -tallet fødte forseggjorte scener av butikker, som skildrer høyt utviklet håndverkssamfunn i Holland og Flandern. Noen av mestrene på denne tiden var Pieter Aertsen og Joachim Beuckelaer. En spesiell type stilleben dukket opp litt senere. Navnet på det var “Vanitas” – forfengelighet for å være nøyaktig, komponert med elementer spesielt valgt for å minne observatøren om hans flyktige natur og for å rette oppmerksomheten mot livets evige korthet ved å si “Memento Mori” – Husk døden. Den økende befolkningen av nederlandske puritanere godtok denne typen malerier lykkelig, ettersom den skildret alt de trodde på – tjente som propaganda for dydig, beskjedent liv. Dette var tiden for de mest berømte stilleben -malerne vi beundrer i dag – Harmen Steenwyck, Pieter Claesz, Willem Kalf eller Jan Davidsz de Heem.
I sør var stilleben ikke like populær, da motreformasjonspolitikken styrte scenen. Et av de sjeldne eksemplene er det nevnte Caravaggio -stykket, eller noen av verkene som ble tildelt den napolitanske barokken på 1600- eller 1700 -tallet. Den spanske maleren Francisco de Zurbaran godtok emnet, men gjengivelsen av temaet var betydelig mer dramatisk i belysning enn de nordlige detaljerte verkene. Sjangeren vil nå sitt høydepunkt mye senere i Spania i arbeidet til Francisco Goya.
I Frankrike ble stilleben imidlertid autonome og ønskelige, kanskje bare med Chardin på 1700 -tallet. Jean-Simeon Chardin tok sjangerens realistiske natur til et nytt nivå, og skildret fantastiske, nesten håndgripelige komposisjoner. Han ble fulgt av Theodore Gericault på 1800 -tallet, selv om stilleben ikke var førstevalget til denne romantiske mesteren.
Til slutt, på 1800 -tallet, fikk stilleben fullstendig anerkjennelse som den kunstneriske sjangeren, og ved slutten av århundret ble det ikke lenger ansett som mindre blant sjangrene. Henri Jean Theodore Fantin-Latour var spesielt kjent for sitt fortsatt liv med blomster, men det er impresjonister som brakte ny epoke til emnet. Paul Cezanne er kanskje en av de viktigste malerne som henviste mye til geometri, og dermed satte grunnlaget for kubistiske teorier, mens han skildret stilleben og St. Victoire -landskapet. En av de mest kjente stillebenseriene fra denne perioden er den med solsikker av Vincent Van Gogh.
Det tjuende århundre brakte store skift i kunst, og senere også i sjangere. Selv om tidlige modernister virkelig brukte stilleben, fra fauvister, over tyske ekspresjonister, til kubister, var selve emnet av liten betydning. Jo viktigere var teorier det ble malt på og stiler som multipliserte seg relativt raskt. Likevel uttrykte kunstner som Henri Matisse, Georges Braque, Picasso seg gjennom stillebenskomposisjoner. Spesielt dedikert til temaet var Giorgio Morandi, en italiensk maler som fremstilte enkle gjenstander med unik, lyrisk stil. Etter fødselen av abstrakt kunst forble en gruppe modernister trofaste til stillebenssjangeren, men viktigheten av de arrangerte gjenstandene vil aldri være den samme som i barokktiden igjen. En av datidens mest følelsesmessige stillebenskomposisjoner er et stykke av David Hockney, “Stilleben på et glassbord”, fra 1971, som skildrer dette klassiske og vakre temaet på en helt ny måte, samtidig som den beholder sjangerens symbolske natur.
Stilleben er definitivt en av de viktigste sjangrene i kunsthistorien. Den gjenspeiler kulturhistorien, så vel som mestringen til hver enkelt kunstner som malte den, mens den i dag fortsatt er et av de mest essensielle temaene som læres og utøves på forskjellige kunstskoler over hele verden.
